OEGF: la reconfiguración de territorios a partir de Topografía Especulativa

Hoy nos acompañó OEGF, tapatío radicado en Charlottesville, Virginia quien se define como un artista, inventor, mago, curador y maestro. Tenemos el honor de incluír a OEGF en la programación de IN//MEDIA,  presentándose este Dos de Octubre con su obra Topografía Especulativa.

1. Tu presentación es bastante polifacética,desde artista hasta mago, pasando por curador ¿De qué manera  se configura OEFG en ese sentido?

Siento que es en la magia desde donde podemos arriesgar una desarticulación de los actuales esquemas de conocimiento, para mi esta entrada tiene que ver con el ritual, como deslizamiento metonímico de lo que hacemos como artistas. La configuración, como la llamas, es precisamente resultante de esas formas de subjetividad de nuestro tiempo, en donde, si le piensas bien, la imposibilidad de ser una única persona es latente. 

2. Nos vas a acompañar desde Charlottesville, donde radicas. ¿Cómo funciona la dinámica de un artista digital mexicano en Estados Unidos?

Hay toda una infraestructura académica para casi toda clase de manifestación cultural medial. Como estudio y trabajo dentro de ese campo académico, me doy cuenta de al menos un par de formas que se desarrollan y apoyan bastante. Estos son las conferencias, casi como festivales, en donde se presentan las investigaciones realizadas dentro de las universidades. Hay muchísimos y de diferente índole, como las sociedades de electroacústica por mencionar un ejemplo medio vago. Mucho parte, o está en conexión, de alguna manera, con alguna parte de la academia. 

3. Topografía Especulativa es un nombre que llama mucho la atención. ¿Nos puedes adelantar un poco sobre la presentación?

Es un ejercicio que me permite habitar e imaginar cruces de territorios de distinto orden a través del desborde o reconfiguración de sus lindes. Podríamos parafrasear también: esta serie parte de la indecisión que caracteriza los infructuosos proyectos de toda clase hacia los cuales mis investigaciones se encaminan.

4. Hay una duda presente en la comunidad artística y sobre todo en los interesados en la segunda edición de In//Media. No se tiene claro qué es y qué no es el arte medial. En ese contexto ¿Te adhieres a alguna definición sobre el arte medial? ¿Qué significa para tí? 

Significa que si no está dicho, es mejor desdefinirlo por la negativa: qué no es arte medial? Habría que pensar desde donde se está uno, discursivamente, para que esta pregunta tenga lugar. 😉 

5. ¿Hay un diálogo entre Topografía Especulativa y la definición de arte medial que planteas?¿Cómo funciona?

¡Buena cuestión! Es precisamente estos traslados entre MEDIOS lo que definiría la pieza, precisamente este cruce es posible por la maleabilidad de estos materiales. 

6. Además de tu presentación, participas en una mesa de diálogo titulada Gestión, Programación y Curaduría ¿Cuál va a ser el eje de tu participación?

Colectividad y potencia social de la curaduría. 

7. ¿Hay algo más que quieras agregar?

Nada, muchísimas gracias por este espacio, les está quedando hermoso. Una nota para la pieza podría ser que hay bastantes sutilezas de las cuales estar atento recompensa.


Este fue OEFG, a quién agradecemos mucho su participación y apoyo al encuentro así como las importantes reflexiones y cuestionamientos que nos ha dejado. Para experimentar su presentación en IN//MEDIA unete a nuestro seminario via Zoom a las 6:30pm: https://bit.ly/3mX5c7D

Imagenes cedidas por el autór

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Carolina Berger: las expresiones del Self contemporáneo

Esta edición del Encuentro IN//MEDIA 2.0 tiene el placer de enriquecerse con la participación de Carolina Berger: intérprete, artista multimedia y documentalista, cuya estética está atravesada por una concepción de laboratorio y procedimental del desarrollo de performances con tecnología. Berger es además creadora de #DigitalSelf | Presence_Lab; una plataforma creativa orientada a investigar y reinventar la producción de presencia con tecnologías. Compartimos en este espacio una entrevista realizada con el fin de ahondar en su trayectoria, su obra y la iniciativa de #DigitalSelf | Presence_Lab y la búsqueda del Self contemporáneo.

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¿Cómo definirías las expresiones del Self contemporáneo a partir de #DigitalSelf | Presence_Lab?

Podemos partir del principio de que nuestro primer medio, desde el cual sentimos mucho más allá del mensaje y de la tecnología, es el cuerpo. El laboratorio investiga justamente cómo la interfaz cuerpo-máquina cambia y compone nuestro Self. Ya tenemos un cuerpo digital de sentidos. Más allá de cámaras y softwares de creación en nuestros smartphones personales, ya tenemos los biosensores para captar nuestros impulsos musculares y para computar nuestra actividad neural. 

Cuándo miro hacia el yo contemporáneo o, mejor dicho, el Self contemporáneo, pienso que ya estamos amalgamados con la tecnología desde los principios de nuestra especie homo sapiens sapiens en sus manifestaciones expresivas de abstracción y comunicación. El tema ahora es que el Self contemporáneo está en retroalimentación con las máquinas, hasta el punto de que tenemos los robots humanoides compuestos desde nuestra cognición. El #DigitalSelf empieza con las cámaras personales de fotografía y cine, y llegó hasta esta composición robótica que es un Duplo de nuestro Self. Y sigo con dudas sobre eso. ¿Ya podríamos ver a los robots humanoides, entrenados por machine learning basadas en nuestra red neural, como una expresión de un inconsciente colectivo programado?

De la videodanza CorpoCorNoCópia para canal YouTube: Inventos Poéticos, de Rodrigo Bragança.

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Tu debut en performance fue #LiveLivingPerformanceProject; ¿podrías contarnos un poco sobre el proceso creativo de este proyecto?

Pasé 4 años investigando posibilidades de transposición de la autoficción documental hacia la performance. Al principio era un proyecto de live cinema, pero en este proceso descubrí que el cuerpo y la presencia serían importantes para desarrollar la idea de transformar un performatividad de lo cotidiano (#LiveLiving) en poética de la obra. En este proyecto, empiezo a utilizar las redes sociales (2015) para entender la presencia digital y como las personas conectadas creían en todo lo que estaba en su timeline. El estudio y la creación de autoficciones, en mi maestría en cine documental (UCINE- AR), me llevó a entender muy temprano que las redes estaban creando ilusiones muy profundas, disonancias y muchas creencias en abstracciones mentales falsas e ilógicas. Al ver eso, creo una tríade de mujeres para el proyecto: yo como performer, interpretando mi alterego (que era una Fake), que es, a la vez, personaje que mi heterónimo literario está investigando para escribir un romance. En este proceso, empiezo a performar en vivo con proyección de videos que hago de mis viajes como si fuera mi alterego, Lícia. Y en cada performance, busco dispositivos para involucrar el público digital en la creación de la obra. Después el proyecto cambió mucho, como si los viajes de la protagonista cambiaran su punto de vista. Empiezo a investigar más los arquetipos femeninos y profundizar en los elementos de la naturaleza. A cada cambio, profundizo más el tema del cuerpo, la consciencia corporal y la presencia. El proyecto resultó en 3 performances intermedia que tenían una centralidad poética establecida. Fueron muchas presentaciones de los 3 trabajos, siempre con nuevas configuraciones de espacio, tecnología y corporeidad, a lo largo de 4 años. Ha sido un proceso de «presence learning», como si yo cargara mi sistema de más sensibilidad desde el contacto con el público, su comportamiento, y por el impacto del cambio de las tecnologías a lo largo del proyecto. 

Photo: Rafael Avancini

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Ethereum Origen es el nombre de la obra performática de tu autoría que participará en esta edición del Encuentro IN//MEDIA, ¿de qué manera este performance se verá relacionado con la situación de aislamiento social por la que atravesamos actualmente así como con la necesidad de tener que adaptarnos a la tecnología para continuar manteniendo y generando vínculos?

Por las instrucciones de preparación de la performance y por la forma de la experiencia que es basada en la ritualidad, es como si yo trasladase al público la esencia del proceso de «presence learning» o presence (RE)learning que he investigado por años. La forma de la performance está pensada para recuperar en cada uno de nosotros las distintas camadas de presencia de nuestro Self. Cómo la presencia está relacionada con nuestra relación con el cuerpo en el espacio-tiempo, sentirse presente es como un antídoto que nos muestra por sí mismo que va más allá del aislamiento. 

Me parece que hay muchos equívocos en pensar la presencia como una situación compartida en un espacio y eso vamos poner a prueba juntos. La performance nos va a acercar a acciones sencillas de autobservación y de presencia expresiva. Y esto nos prepara para todos los modos de presencia, sea en tiempo real, en vivo; sea en la creación en una situación de soledad; sea en una situación dramática o en realidades que no conocemos muy bien.  

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¿Cuál consideras que ha sido tu mayor aporte a las artes performáticas?

No sé, sinceramente. Hoy me parece más importante compartir todo que las artes performáticas me enseñaran sobre la corporeidad, la mente humana y sobre la consciencia. Ser artista de la performance es tener un cuerpo dado al arte, a la expresión, y eso sólo se completa cuando uno piensa en qué puede expresar al público sobre su cuerpo también. Lo que descubro sobre la forma como las tecnologías cambian nuestra cognición, eso me interesa aportar desde la fusión de las artes performáticas y los nuevos medios. 

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A lo largo de tu trayectoria, ¿qué es lo que te ha inspirado a seguir el camino que te ha traído hasta donde te encuentras actualmente?

La mente humana y las posibilidades de curar las enfermedades psíquicas, las ilusiones mentales y el egoísmo humano a partir de la presencia y del arte. 

Photo: Rafael Avancini

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¿Cómo definirías la esencia de tu obra en general?

En dos frases: Essence is more y Presence is Beyond Message (La esencia es más y la presencia está más allá del mensaje). 

Siempre pienso que desde la fusión de naturaleza, arte y tecnología podemos entender los principios básicos de la existencia. Y para asimilar estos principios necesitamos crear formas de expansión de nuestra consciencia desde la presencia y de la compasión como ejes centrales. 

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¿Cuál es el foco central de exploración en #DigitalSelf | Presence_Lab?

La presencia expresiva y la consciencia digital. Y para eso, todas las tecnologías que afectan nuestra presencia deben ser investigadas 

Photo: Camila Fontenelle

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¿Te gustaría agregar algo más a esta enriquecedora conversación?

Hay un concepto oriental de la filosofía budista que siempre me interesó. Ahora está todavía más relevante: form is emptiness; emptiness is form (La forma es vacío, el vacío es forma). Es del Sutra del Corazón, y tiene relación con la realidad que creamos en nuestra mente y qué materializamos. El arte nos torna conscientes de las realidades que generamos, y esto está en la forma. 

Eso para mí es el antídoto más potente del arte para el momento actual: entender la realidad por la forma que creamos para nuestra imaginación. Pero si estamos imaginando demasiado y confiando en formas dónde hay falta de consciencia, algo tenemos que cambiar. 

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Finalmente, expresamos nuestra profunda admiración y agradecimiento a Carolina Berger y el self contemporáneo no solo por enriquecer esta segunda edición del Encuentro IN//MEDIA, sino también por brindarnos una perspectiva diferente y fructuosa de nuestra realidad cotidiana.

Aparta tu lugar para las actividades de Carolina Berger aquí:

Conferencia Magistral : https://bit.ly/3mX5c7D

Performance: https://bit.ly/3cJzeqQ

Osoxe Muluk & Zuvuya: de lo ancestral a lo futurista.

Tuvimos el honor de platicar con Osoxe Muluk, que nos acompañará en la segunda edición de IN//Media coordinando al ensamble Zuvuya, quienes realizarán una exploración sonora de las narrativas wixárika en su obra titulada Ancestral. El artista de orígen tapatío radicado hace más de 10 años en la ciudad de Aguascalientes, con una consolidada trayectoria musical nos compartió sus ideas sobre el arte medial, la electrónica y su presentación. 

Es un placer tenerte aquí  Osoxe. Agradezco mucho que nos hayas concedido un espacio en tu agenda. 

A.¿Nos puedes hablar sobre el concepto del ensamble Zuvuya? 

B.¿Cómo surgió la idea del diálogo entre las creencias Wixárrika y la música conceptual?

A. El ensamble salió a la luz a inicios del 2019 y tuvo un fructífero primer año de presentaciones, entre las que destacan Experimentación Sonora en Toluca, la FNSM19, Festival Cultural de la Ciudad de Aguascalientes en el 444 Aniversario, ETNO Fest y el Premio Estatal de la Juventud. Tengo mucho tiempo investigando sobre culturas precolombinas pero justo, la etnia Wixárrika (Huichol), tiene como paso en su zona al estado de Aguascalientes. Aunque no como asentamiento, si cómo pasó de peregrinaje de la costa de Jalisco a las montañas en San Luis Potosí. 

B. En este caso me agradó integrar a nuestra narrativa, ya que cada track de nuestro material cuenta una historia, un sentir, un pasaje sonoro. Por otro lado está lleno de matices, de colores en sus diseños y su cosmovisión. Para nosotros es una especie de homenaje. 

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C.¿Qué tanto ha afectado la pandemia a la agrupación? 

D.¿Cómo visualizas el futuro de Osoxe Muluk & Zuvuya ante la nueva normalidad?

C. Teníamos dos presentaciones agendadas en la edición 2020 de la Feria Nacional de San Marcos. Tanto para Cuartel del Arte como otra alternativa en Kiosko del Jardín de San Marcos. Nuestro disco «Ancestral» salía a finales a mediados de abril y tuvimos que esperar hasta el mes de julio.

D. Nos estamos adaptando y justo en un par de semanas del inicio de cuarentena empezamos la labor de continuar con maquetas y nueva producción. Para el mes de noviembre ya tenemos plan de iniciar grabaciones para un nuevo disco. Creemos que esto también fue una oportunidad para lo creativo y nos estamos reinventando, utilizando las plataformas digitales y medios electrónicos para continuar nuestra difusión.


Algo que nos ha llamado mucho la atención es el uso de instrumentos ancestrales en la presentación, de donde la pieza toma su nombre 

  1. ¿Qué papel jugarán en la narrativa del ensamble?

E. Son importantes porque el concierto toma un formato a manera de ritual con cada uno de sus pasajes sonoros. Aunque es un complemento y es un toque especial. Se combinan con los demás instrumentos acústicos, eléctricos y la programación.

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Hay una duda presente en la comunidad artística y sobre todo en los interesados en la segunda edición de In//Media. No se tiene claro qué es y qué no es el arte medial. En ese contexto :

F¿Te adhieres a alguna definición sobre el arte medial? 

G¿Qué significa para tí?

F. Para empezar nuestro proyecto en su médula es música electrónica y etno-fusión. Los dispositivos electrónicos y programación son la base del proyecto en conjunto con toda la instrumentación.

G. A partir de esta estructura generamos una especie de integración de lo ancestral con lo futurista. 

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H.¿Hay un diálogo entre Ancestral y la definición de arte medial que planteas?

I.¿Cómo funciona?

H. Está basado en el arte electrónico, acercarnos el sonido del pasado, el reconocimiento de nuestros sonidos primitivos hacia el presente. Hay un lenguaje donde rescatamos las voces de nuestros ancestros.

I. Agregamos nuevas tecnologías y combinamos los dispositivos. Además de adherir instrumentos y diferentes estructuras desde lo orgánico hasta lo experimental. 

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J.¿Hay algo más que quieras agregar?

J. Estamos muy contentos de participar en estos encuentros, no me queda más que agradecerte a ti y al equipo In//Media por todo este trabajo. Un fuerte abrazo.

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Osoxe, te agradecemos nuevamente por tu tiempo y tu esfuerzo. estamos seguros de que las reflexiones que nos has compartido hoy servirán para seguir abriendo diálogo y construyendo comunidad y esperamos ansiosos tu presentación————-

Aparta tu lugar para la presentación del ensamble: https://bit.ly/3jgBZ54

Israel Martínez: Digital&Media[Labs], encuentros mediales y la cultura maker

Presentamos una entrevista con Israel Martinez, donde el productor hidrocálido habla de Digital&Media[Labs], el dilema de la producción tecnológica, su participación en IN//MEDIA y mucho más

Uno de los objetivos primordiales del encuentro IN//Media es generar vinculos entre lxs diversos agentes involucrados en la producción de arte y tecnologia; aportar nuestro granito de arena en el crecimiento de la comunidad. Es en ese ímpetu que nos alegra hablarles de el gran papel que ha jugado Digital&media[labs] en esta segunda edición: Desde el diseño del sitio y la estrategia de medios hasta darnos refugio en sus oficinas para establecer nuestro centro de operaciones.

Para esto nos acompaña Israel Martínez, quien tiene una fuerte trayectoria profesional y docente. Israel participó en la primera edición de In//Media con una obra  performática que explora las barreras de lo tangible y lo digital por medio de un dispositivo de realidad virtual.

Es un gusto tenerte aquí, Israel. En el colectivo Artemia  estamos honrados de que te integres, junto con el equipo de Digital&media[labs],  a la producción de la segunda edición In//Media y sentimos que su participación ha sido fundamental.

¿Nos puedes platicar sobre el trabajo que se realiza en Digital&media[labs]?

Somos una agencia de diseño especializada en medios digitales, vamos a cumplir ya casi nuestra primera década de haber comenzado el proyecto y estar trabajando como equipo.

Nos pensamos más como un laboratorio en realidad y eso nos ha ayudado a vincularnos con proyectos que nos gustan y sobre todo con generar constantemente procesos para el aprendizaje, investigación y descubrir algunas cosas; algunas de ellas de manera formal y algunas otras de sobre la marcha. 

La segunda edición de IN//Media no habría sido posible sin la colaboración de digital&media[labs]¿nos puedes comentar un poco más sobre esta relación?

El año pasado tuve el enorme gusto de participar en la primera edición y (personalmente) me parece importantísimo que este tipo de cosas sucedan primero para el ámbito local pero también en términos de lo general creo que eventos como este, con temáticas como las que se abordaron el año pasado y este año deben ser abordadas, discutidas y sobre todo puestas sobre la mesa con el público en general fue de ahí que un poco de manera informal el año pasado comentamos esta posibilidad y afortunadamente este año Roberto y Armando nos hicieron el gran honor de invitarnos para apoyarles con algunas consultas y poner nuestro granito de arena.

Hay una duda presente en la comunidad artística y sobre todo en los interesados en el evento. No se tiene claro qué es y qué no es el arte medial. En ese contexto ¿Te adhieres a alguna definición sobre el arte medial? ¿Qué significa para tí? 

Creo que está super complicado, (de ahí esa condición tan caótica del término) – personalmente – me parece que el problema es esa especie de empecinamiento (de algunos, sobre todo en ámbitos institucionales) por llamar arte todo aquello que no parece tener cabida en otras disciplinas pero que está vinculado con una producción humana. No creo poder adscribirme a alguna definición en particular porque me parece que el concepto de Arte (con mayúscula) se agotó en la modernidad (y está bien, funciona y puede operar aún en ámbitos de la institución o en el contexto del sistema capitalista) pero eso que en la comodidad o en el lenguaje coloquial llamamos arte me parece que más bien debería ser descrito como procesos de producción cultural. Ahora (y por eso diría que es complejo) ¿lo medial? adolece del mismo problema porque nuevamente en lo coloquial cuando hablamos de medios: la pintura, la escultura, la escritura son tanto medios como lo es el cine, el video, el internet (que aunque llamemos nuevos tienen con nosotros ya bastantes décadas) y de la misma manera pasa con esos que, quizá, sí podamos llamar nuevos (yo diría novedosos) como lo es la realidad aumentada, la realidad virtual, las redes neuronales, la robótica o la biotecnología. Pero a fin de cuenta todos son medios, por eso es raro hablar de arte medial.

Si me viera forzado a tratar de definirlo creo que forzosamente tendríamos que partir del entendimiento común o coloquial pero al final eso no tiene mucho caso. Por eso prefiero hablar de prácticas o de producción, vinculadas con… la electrónica, la programación, el video, la inteligencia artificial, la simulación por computadora, los videojuegos, etc. O en lo coloquial: Diseñar. Y aún más sencillo:

HACER COSAS, no es gratuito que en inglés exista el término «Maker» para referirse a esos individuos a veces artistas, a veces ingenieros, a veces científicos y a veces solo hobilistas, que justo prefieren decir que «hacen cosas».

¿Cómo se relaciona tu pieza presentada el año pasado y en general tu quehacer artístico con la definición de arte medial que planteas?

Creo que es un buen ejemplo de esta condición de «hacer cosas» porque el año pasado justo como parte de mi trabajo en la agencia estabamos haciendo algunas cosas de Realidad Virtual y siempre en el quehacer diario se comienzan a despertar algunas inquietudes formales, de concepto y te empiezas a preguntar cosas que si le rascas poquito te llevan luego a terrenos más escarapados (y eso está muy bien) y te obligan a aprender cosas.

Siempre he tenido una inquietud particular por el diseño y desarrollo de objetos y procesos que permitan la interrelación entre usuarios y la posibilidad de construcciones en colaboración, dicho en términos modernos: artista/espectador, y en términos más «contemporáneos» productor/usuario. El año pasado esta cuestión de la realidad virtual en vínculo con el momento político que atravesamos en la ciudad (elecciones) era interesante para mi y me parecía que era un tema prudente para tocar, con la invitación fue como el empujoncito para echarlo a andar y armarlo formalmente (ponerse a codear, ponerse a desarrollar y armar el objeto) lo curioso fue que justo en esta dinámica de hacer cosas yo originalmente concebía ese objeto como un objeto para que otros lo usarán pero por las condiciones del evento fue necesario más bien generar este acto/muestra un poco performático (si se me permite usar la palabra) que para mí fue también todo un proceso de aprendizaje y un poco de atreverse ya que no era originalmente el diseño pero me parece justo funcionó y me despertó muchas inquietudes que me llevaron a estar leyendo, revisando información y repensando posibilidades de ese tipo de objetos y situaciones.

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¿Nos podrías platicar en qué consistió tu presentación del año pasado en In//Media?

El objeto es una pieza de software desarrollada para un visor de realidad virtual (HTC Vive) sobre un motor de videojuegos (Unity) el uso de un sensor infrarrojo (Leap Motion) y un guante hecho con un microcontrolador (Arduino) y un sensor ultrasónico.  

Mientras estamos escuchando uno de los debates entre la candidata y candidatos que estuvieron presentes en aquel momento la pieza de software analiza a través de una API de reconocimiento de voz el patrón de la onda de audio y cada vez que la onda concide con una frecuencia de audio específica (vinculada con la frecuencia de audio que algunos estudios apuntan que se reproduce cuando los humanos mentimos) se genera una roca que cae del cielo dentro de las cuatro paredes virtuales inundando al usuario entre las rocas. Por su parte el visor y los sensores vuelven inmersiva la experiencia permitiendo a los usuarios mover las rocas que caen pudiendo tomarlas y cambiarlas de lugar o protegerse de ellas. Por otro lado el sensor ultrasónico permite a través de un gesto con ambas manos controlar las rocas que han caido para poderlas transformar dentro del espacio.

Algo que fue un reto, fue traducir este objeto a formar parte de un acto performático y establecer una condición temporal para la presentación. En ese sentido justamente la presentación consistió en mí generando estas acciones durante los 40 min de la presentación en este proceso de acomodar las piedras que surgían a partir del audio que los espectadores escuchaban.

Sobre el tema, me parecía (y me sigue pareciendo) sumamente importante la politización de nuestra vida cotidiana en medida de que justamente lo que sucede en nuestra vida diaria está vinculada con todo eso que los actores de la vida política de nuestra ciudad y nuestro país deciden y producen.

Desde esa lógica estos discursos políticos que se generan de manera constante y que están siempre sobre nosotros afectan cada uno de los aspectos de nuestra vida, incluso a nivel biológico.

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¿Cómo has sentido este cambio, de presentar tu obra a pasarte tras bambalinas?

Ha sido una buena experiencia para nosotros como equipo en Digital&media[labs] y conocer los procesos que llevan el equipo IN//Media para este año sobre todo en año de pandemia ha sido bien interesante.

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¿Hay algo más que quieras agregar?

Gracias nuevamente para todo el equipo ha sido un verdadero gusto poder trabajar juntos y sobre todo gracias a Armando y Roberto por la invitación y confianza. 

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